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CelebrAsian Dance 2026 Program and Artists Bio
Feather Fan Dance / Danse des éventails en plumes – Autumn Melody Collective: William Lau
Fans were originally used for functional purposes in many Asian societies before evolving into props for dance, representing a blend of art and daily life. The Chinese fan dance is a traditional graceful art form with over 2,000 years of history, originating from court performances and folk rituals It combines flowing body movements with fans. Core movements involve opening/closing the fan, rapid spins, and fluid, continuous motions designed to mimic flowers or clouds. The feather fan dance is to symbolize joy, beauty, and nature. Dancer use fans to create dynamic shapes, with movements designed to tell stories or express emotions.
Les éventails étaient à l’origine utilisés pour des fonctions pratiques dans de nombreuses sociétés asiatiques avant d’évoluer en accessoires de danse, représentant une fusion entre l’art et la vie quotidienne. La danse de l’éventail chinoise est un art traditionnel et gracieux qui possède plus de 2 000 ans d’histoire, prenant racine dans les performances de cour et les rituels populaires. Elle combine des mouvements corporels fluides avec l’utilisation d’éventails. Les mouvements essentiels incluent l’ouverture et la fermeture de l’éventail, des rotations rapides et des gestes continus et ondoyants conçus pour évoquer des fleurs ou des nuages.
La danse de l’éventail en plumes symbolise la joie, la beauté et la nature. Les danseurs utilisent les éventails pour créer des formes dynamiques, avec des mouvements destinés à raconter des histoires ou à exprimer des émotions.
The Spear Dance / La danse des lances – Autumn Melody Collective: Katherine Ng and Justin Lui
The spear dance in Peking Opera, often referred to as Huaqiang (spear-spinning) or part of Bazi Gong (highly stylized combat movement), is an iconic martial arts performance showcasing extreme speed, precision, and artistry. It combines combat, dance, and acrobatic skills, with performers flipping, twirling, and throwing long spears. It is typically performed by Wusheng (martial male roles) and Wudan (martial female roles) to simulate intense battle scenes. It serves to demonstrate the character’s martial prowess and adds a rhythmic, visually stunning component to the "combat" aspect of the opera. This martial art is a cornerstone of the "fight" component of Peking Opera and is essential for bringing historical warrior characters to life on stage.
La danse de la lance dans l’Opéra de Pékin, souvent appelée Huaqiang (rotation de la lance) ou intégrée au Bazi Gong (mouvements de combat hautement stylisés), est une performance martiale emblématique mettant en valeur une vitesse, une précision et un sens artistique extraordinaires. Elle combine techniques de combat, danse et acrobaties, les interprètes effectuant des sauts, des rotations et des lancers de longues lances.
Elle est généralement exécutée par les rôles masculins martiaux (Wusheng) et les rôles féminins martiaux (Wudan) afin de simuler des scènes de bataille intenses. Cette forme d’art sert à démontrer la prouesse martiale du personnage et ajoute une dimension rythmique et visuellement spectaculaire à l’aspect « combat » de l’opéra.
Cet art martial constitue une pierre angulaire des scènes de lutte dans l’Opéra de Pékin et est essentiel pour donner vie sur scène aux personnages guerriers historiques.
Spring Bloom / Fleurir au printemps - Silk Road Art Studio Canada
This dance inherits the classical core of Han and Tang dance, which is "both form and spirit, and vivid charm". It also integrates classical and modern elements, innovates stage form, and deepens cultural connotation. Through dance, it shows the joyful scene of strolling in the garden in spring. It combines the elegance of classical dance with the agility and creativity of modern choreography, showing the spring scene of "blooming flowers and growing all things".
Cette danse hérite du noyau classique des danses Han et Tang, dont l’essence repose sur « l’harmonie entre la forme et l’esprit, et un charme vivant ». Elle intègre également des éléments classiques et modernes, innove dans sa forme scénique et approfondit sa portée culturelle. À travers la danse, elle évoque la scène joyeuse d’une promenade printanière dans un jardin.
Elle combine l’élégance de la danse classique avec l’agilité et la créativité de la chorégraphie contemporaine, donnant vie au paysage printanier où « les fleurs s’épanouissent et toute chose croît ».
Bian Lian - Valerie Kenyon from Thailand
“Bian Lian” in Chinese means Face-Changing, is a performance that originated in Sichuan Opera. It was invented as a way for an actor to change makeup without actually having to do the time-consuming process of taking off and then meticulously reapplying makeup. It has since developed into its own art form, often performed as an act separate from a main opera. In Thailand it is very popular as a pre-show act before a Chinese Opera performance. Valerie would like to extend my appreciation to “Sai Yong Hong Teochew Opera Troupe” for their assistance with choreography and music, and Vega Studio for additional assistance with choreography.
« Bian Lian », qui signifie « changement de visage » en chinois, est une performance issue de l’Opéra du Sichuan. Elle a été inventée comme moyen pour un acteur de changer de maquillage sans devoir passer par le processus long et minutieux de retirer puis de réappliquer le maquillage. Au fil du temps, cette technique est devenue un art à part entière, souvent présenté comme un numéro indépendant, séparé de l’opéra principal.
En Thaïlande, il est très populaire comme numéro d’ouverture avant une représentation d’opéra chinois. Valerie souhaite exprimer sa gratitude envers la troupe « Sai Yong Hong Teochew Opera Troupe » pour leur aide à la chorégraphie et à la musique, ainsi qu’au Vega Studio pour leur soutien supplémentaire en chorégraphie.
Topeng Keras Dance / Danse Topeng Keras - Eko Nurcahyo
Topeng Keras is one of the character masks in the Balinese Topeng Dance, a classical traditional dance-drama performed in Bali, Indonesia that symbolizes courage, authority, and loyalty, but sometimes also aggression or hot-headedness. The word "keras" means "hard" or "strong," and the character represents a brave, assertive, and warrior-like figure. Dance movements are dynamic, sharp, and forceful, showing strength and discipline. It contrasts with the softer, graceful movements of other characters. Eko plays a strong, bold warrior or soldier character, often a loyal servant or guard of the king. The Topeng Keras mask he wears is usually red-faced with fierce expressions, bulging eyes, arched eyebrows, and a prominent mustache. These features reflect power and a no-nonsense attitude.
Topeng Keras est l’un des masques de personnage utilisés dans la danse Topeng balinaise, une danse‑drame traditionnelle classique de Bali, en Indonésie. Il symbolise le courage, l’autorité et la loyauté, mais parfois aussi l’agressivité ou l’impulsivité. Le mot keras signifie « dur » ou « fort », et ce personnage représente une figure brave, affirmée et guerrière. Les mouvements de danse sont dynamiques, précis et puissants, exprimant force et discipline. Ils contrastent avec les gestes plus doux et gracieux d’autres personnages. Eko interprète un guerrier ou soldat fort et audacieux, souvent un serviteur loyal ou un garde du roi. Le masque Topeng Keras qu’il porte est généralement rouge, avec des expressions féroces, des yeux saillants, des sourcils arqués et une moustache prononcée. Ces traits reflètent la puissance et une attitude déterminée, sans compromis.
Pyongyang Sword Dance / La danse des épées de Pyongyang – Hong Yeonji
The Pyongyang Sword Dance is a traditional Korean martial dance performed by women wielding swords. Originating in the Silla period, it began as a tribute to a young boy who sacrificed his life for his country. By the 18th century, it had evolved into a court performance presented at royal banquets. The dance was preserved and transmitted by entertainers affiliated with the Pyongyang government. Although the movements appear simple, they require great tension, strength, and precision, reflecting its origins as a martial performance intended to inspire soldiers. While feminine and stylized elements were added during the Japanese colonial period, the dance continues to embody restrained power and refined elegance. After the Korean War, the tradition disappeared in North Korea but was later revived in South Korea by Lee Bong-ae, a native of Pyongyang. In 2001, it was officially designated as Intangible Cultural Heritage No. 1 of South Pyongan Province.
La danse du sabre de Pyongyang est une danse martiale traditionnelle coréenne interprétée par des femmes maniant des sabres. Originaire de la période Silla, elle aurait commencé comme un hommage à un jeune garçon qui sacrifia sa vie pour son pays. Au XVIIIᵉ siècle, elle évolua pour devenir une performance de cour présentée lors des banquets royaux. La danse fut ensuite préservée et transmise par des artistes affiliés au gouvernement de Pyongyang.
Bien que les mouvements puissent sembler simples, ils exigent une grande tension corporelle, de la force et une précision extrême, reflétant ses origines martiales destinées à inspirer les soldats. Pendant la période coloniale japonaise, des éléments plus féminins et stylisés furent ajoutés, mais la danse continue d’incarner une puissance contenue et une élégance raffinée.
Après la guerre de Corée, la tradition disparut en Corée du Nord, mais fut plus tard ravivée en Corée du Sud par Lee Bong-ae, originaire de Pyongyang. En 2001, elle fut officiellement désignée comme patrimoine culturel immatériel no 1 de la province du Pyongan du Sud.
Worn Inheritance – Tribal Crackling Wind
Chorographer / Chorégraphe: Peter Chin
Musicians / Les musiciens: Ros Sokunthea, Mouern Chanthy, Hul Rasy
Dancer / Danseur: William Lau
This work is choreographed by award-winning choreographer/composer Peter Chin, artistic director of Tribal Crackling Wind in collaboration with Ottawa dance artist William Lau who will perform this work. This compelling new work honours tradition while embracing new directions. It offers a rich exploration of identity, memory, and cultural lineage, drawing from influences across Canada, Cambodia, and China. This new work invites three Cambodian musicians to accompany Mr Lau on stage with live music that responds very closely to his every movement, action and emotional nuance - this in a very similar way that the traditional Chinese opera orchestra works with the dancer on stage. Both in Chinese opera and Lakhaon Khol, this allows for the dancer to deploy spontaneous choices in terms of tempo, number of repetitions, and even emotional nuances while keeping the collectively-known choreographic framework as primary. For the Cambodian Lakhaon Khol musicians, in this regard, the ease and familiarity of working with a Chinese opera artist with this shared fundamental approach, flowed naturally and revealed a very satisfying cross-cultural endeavour where the Chinese side and the Cambodian side already had a similar base upon which to build the creative collaboration.
Cette œuvre est chorégraphiée par le chorégraphe et compositeur primé Peter Chin, directeur artistique de Tribal Crackling Wind, en collaboration avec l’artiste de danse ottavien William Lau, qui interprétera la pièce. Cette création captivante honore la tradition tout en embrassant de nouvelles directions. Elle propose une riche exploration de l’identité, de la mémoire et de l’héritage culturel, s’inspirant d’influences provenant du Canada, du Cambodge et de la Chine.
Cette nouvelle œuvre invite trois musiciens cambodgiens à accompagner M. Lau sur scène, avec une musique en direct qui répond de manière très précise à chacun de ses mouvements, actions et nuances émotionnelles — d’une manière très similaire à celle dont l’orchestre traditionnel de l’opéra chinois interagit avec le danseur sur scène. Tant dans l’opéra chinois que dans le Lakhaon Khol, cette approche permet au danseur de faire des choix spontanés en matière de tempo, de nombre de répétitions et même de nuances émotionnelles, tout en conservant comme base le cadre chorégraphique connu collectivement.
Pour les musiciens cambodgiens du Lakhaon Khol, cette familiarité avec une approche fondamentale partagée a facilité la collaboration avec un artiste d’opéra chinois. Cette aisance naturelle a révélé une entreprise interculturelle particulièrement harmonieuse, où les traditions chinoise et cambodgienne disposaient déjà d’un terrain commun sur lequel bâtir une création véritablement collaborative.
Artists / Les artistes
William Lau from Ottawa Autumn Melody Collective is a graduate of York University’s Master of Fine Arts program in dance. A refined performer and passionate cultural worker, he was trained in both Chinese traditional dance and Western classical ballet and now specializes in the Dan (female roles) in Peking opera. William has promoted the richness of Chinese dance and opera to a wide range of audiences nationally and internationally as well as training and mentoring of a new generation of Chinese-Canadian dance artists. He has toured nationally and his international performance engagements include the United States including Hawaii and Puerto Rico, the United Kingdom, China, Indonesia, Thailand and Mexico. William has also brought Chinese performing arts to mainstream communities by conducting workshops, lectures and demonstrations at various academic institutions and artistic companies as well as museums and cultural organizations. He has pushed the boundaries of traditional arts practices by collaborating with professional performers of different artistic disciplines and diverse cultural backgrounds and has collaborated in various musical and theatrical projects. With a deep passion for the arts, his professional experience includes work as an artist, program officer, manager, producer, and researcher.
William Lau, du collectif Autumn Melody d’Ottawa, est diplômé du programme de maîtrise en beaux‑arts (danse) de l’Université York. Interprète raffiné et travailleur culturel passionné, il a été formé à la fois en danse traditionnelle chinoise et en ballet classique occidental, et se spécialise aujourd’hui dans les rôles Dan (rôles féminins) de l’opéra de Pékin. William a fait rayonner la richesse de la danse et de l’opéra chinois auprès d’un large public, tant au Canada qu’à l’étranger, tout en formant et en encadrant une nouvelle génération d’artistes sino‑canadiens de la danse.
Il a effectué des tournées nationales et s’est produit à l’international, notamment aux États‑Unis (y compris à Hawaï et à Porto Rico), au Royaume‑Uni, en Chine, en Indonésie, en Thaïlande et au Mexique. William a également contribué à faire connaître les arts de la scène chinois auprès du grand public en offrant des ateliers, des conférences et des démonstrations dans divers établissements universitaires, compagnies artistiques, musées et organismes culturels.
Il a repoussé les limites des pratiques artistiques traditionnelles en collaborant avec des interprètes professionnels issus de disciplines artistiques variées et de milieux culturels divers, et a participé à de nombreux projets musicaux et théâtraux. Animé d’une profonde passion pour les arts, son expérience professionnelle englobe le travail d’artiste, d’agent de programme, de gestionnaire, de producteur et de chercheur.
Yeonji Hong is an award-winning Korean traditional dance artist and former member of the National Dance Company of Korea. Holding a PhD in Dance from Sejong University in Seoul, she has performed extensively across South Korea and internationally through cultural exchanges in Japan, China, and Oman. Her creative voice is deeply rooted in traditional forms such as Taepyeongmu, Samgomu, and the Fan Dance, reinterpreted through a contemporary lens to explore identity, resilience, and artistic fusion. In 2024, Dr. Hong was formally recognized as a transmitter of Pyongyang Geommu (Sword Dance of Pyongyang), designated as an Intangible Cultural Heritage of South Pyongan Province. This recognition affirms her role in preserving and transmitting one of Korea’s most iconic traditional dances. She continues to create innovative works that bring depth and beauty to Korean dance aesthetics. Since relocating to Canada in 2018, she has presented performances at venues such as Parliament Hill, Ottawa City Hall, Carleton Place, and the City of Brockville. Most recently, she premiered Lotus Pond, a self-choreographed solo inspired by Monet’s Water Lilies, at Toronto’s Betty Oliphant Theatre (2025). Through teaching, performing, and choreographing, Dr. Hong continues to share Korean cultural heritage while building bridges across cultures and generations.
Yeonji Hong est une artiste primée de danse traditionnelle coréenne et ancienne membre de la Compagnie nationale de danse de Corée. Titulaire d’un doctorat en danse de l’Université Sejong à Séoul, elle s’est produite à travers toute la Corée du Sud ainsi qu’à l’international dans le cadre d’échanges culturels au Japon, en Chine et à Oman.
Sa voix créative puise profondément dans les formes traditionnelles telles que le Taepyeongmu, le Samgomu et la danse de l’éventail, qu’elle réinterprète à travers une perspective contemporaine pour explorer l’identité, la résilience et la fusion artistique. En 2024, la Dre Hong a été officiellement reconnue comme détentrice et transmettrice du Pyongyang Geommu (danse du sabre de Pyongyang), désigné patrimoine culturel immatériel no 1 de la province du Pyongan du Sud. Cette reconnaissance confirme son rôle essentiel dans la préservation et la transmission de l’une des danses traditionnelles les plus emblématiques de la Corée.
Elle continue de créer des œuvres innovantes qui enrichissent et magnifient l’esthétique de la danse coréenne. Depuis son arrivée au Canada en 2018, elle a présenté des performances dans des lieux tels que la Colline du Parlement, l’Hôtel de Ville d’Ottawa, Carleton Place et la Ville de Brockville. Plus récemment, elle a créé Lotus Pond, un solo chorégraphié par elle-même et inspiré des Nymphéas de Monet, présenté au Betty Oliphant Theatre de Toronto (2025).
Par son enseignement, ses performances et ses créations chorégraphiques, la Dre Hong continue de partager le patrimoine culturel coréen tout en bâtissant des ponts entre les cultures et les générations.
Eko Nurcahyo is a traditional Indonesian dancer and choreographer originally from Yogyakarta, Indonesia. He holds a Bachelor of Arts in Performing Arts from the Indonesian Institute of the Arts Yogyakarta, with a specialization in traditional mask dance. His artistic practice reflects a deep commitment to cultural heritage, creative excellence, and the preservation of Indonesia’s rich performing arts traditions. Prior to Canada, I involved in many overseas performances such as the Asia Helsinki Festival, Mundial Festival Tilburg Netherlands and Gangneung Festival in South Korea. Now based in Ottawa, Eko serves as a traditional dance instructor and choreographer at the Embassy of the Republic of Indonesia in Ottawa. In this role, he actively promotes Indonesian culture through teaching, performance, and community engagement. His cultural outreach has taken him across Canada, leading workshops and performances in cities such as Ottawa, Montreal, Edmonton, Calgary, Quebec City, and Winnipeg.
Eko Nurcahyo est un danseur et chorégraphe traditionnel indonésien originaire de Yogyakarta, en Indonésie. Il est titulaire d’un baccalauréat en arts du spectacle de l’Institut indonésien des arts de Yogyakarta, avec une spécialisation en danse traditionnelle masquée. Sa pratique artistique reflète un profond engagement envers le patrimoine culturel, l’excellence créative et la préservation des riches traditions des arts de la scène indonésiens.
Avant de s’établir au Canada, il a participé à de nombreuses prestations internationales, notamment au Asia Helsinki Festival, au Mundial Festival de Tilburg aux Pays‑Bas et au Gangneung Festival en Corée du Sud.
Aujourd’hui basé à Ottawa, Eko est instructeur et chorégraphe de danse traditionnelle à l’Ambassade de la République d’Indonésie à Ottawa. À ce titre, il fait activement la promotion de la culture indonésienne par l’enseignement, la performance et l’engagement communautaire. Son travail de médiation culturelle l’a mené à travers le Canada, où il a animé des ateliers et présenté des spectacles dans des villes telles qu’Ottawa, Montréal, Edmonton, Calgary, Québec et Winnipeg.
Valerie Kenyon was born in Ohio, USA, Val grew up in Massachusetts and spent several years in New York, followed by multiple periods in Thailand. She first saw Bian Lian, or Ngiew Plian Na (งิ้วเปลี่ยนหน้า in Thai) while living in Yasothon, northeastern Thailand, during the city’s annual Chinese Opera Festival and fell in love with it. She has since trained and performed with two different Chinese Opera troupes in Thailand. She currently divides her time between Bangkok and Yasothon. She is continuing to develop her Bian Lian practice as well as various dance, performance, and visual art projects and is a dance student at Vega Studio, Bangkok. Val has pushed the boundary of this unique art form by designing her own masks and costumes as well as taking a contemporary approach to performance. Currently, Val is capable of performing with 10 masks within one act, a major step in her artistic achievement. She travels at least once a year to Montreal to visit family and friends, including an adorable calico cat named Nathasha.
Valerie Kenyon est née dans l’Ohio, aux États‑Unis. Elle a grandi au Massachusetts, a passé plusieurs années à New York, puis de longues périodes en Thaïlande. Elle a découvert le Bian Lian, ou Ngiew Plian Na (งิ้วเปลี่ยนหน้า en thaï), alors qu’elle vivait à Yasothon, dans le nord‑est de la Thaïlande, lors du festival annuel d’opéra chinois de la ville — et en est immédiatement tombée amoureuse. Depuis, elle s’est formée et a performé avec deux troupes d’opéra chinois en Thaïlande.
Elle partage actuellement son temps entre Bangkok et Yasothon. Elle poursuit le développement de sa pratique du Bian Lian ainsi que divers projets de danse, de performance et d’arts visuels, et étudie la danse au Vega Studio à Bangkok. Val a repoussé les limites de cet art unique en concevant elle‑même ses masques et ses costumes, tout en adoptant une approche contemporaine de la performance. Elle est aujourd’hui capable d’exécuter un numéro comprenant dix masques dans un seul acte — une étape majeure dans son parcours artistique.
Elle se rend au moins une fois par an à Montréal pour rendre visite à sa famille et à ses amis, dont une adorable chatte écaille de tortue nommée Nathasha.
Katherine Ng has been actively working as a professional dancer since 2014. Born and raised in Ottawa, she graduated from The School of Dance’s Contemporary Dance Diploma, under director Sylvie Desrosiers. Her career began in Montréal, where Katherine had the opportunity to perform and create with <AP&A>, Interlope, La Tresse, and many more, while participating in many international dance festivals. She also had the opportunity to work on a touring production called Pearl Production with choreographer Daniel Ezralow. Where East meets West, Pearl Production had an exchange with dancers from Nanjing, China. Her last contract was with MGM in Macau, where she had worked with Michael Jackson’s trusty choreographer Travis Payne. Currently, she is working with Ottawa Dance Directives and recently performed a work by Jocelyn Todd and Tedd Robinson.
Katherine Ng travaille activement comme danseuse professionnelle depuis 2014. Née et élevée à Ottawa, elle est diplômée du programme de diplôme en danse contemporaine de The School of Dance, sous la direction de Sylvie Desrosiers. Sa carrière a débuté à Montréal, où Katherine a eu l’occasion de se produire et de créer avec <AP&A>, Interlope, La Tresse et bien d’autres, tout en participant à de nombreux festivals internationaux de danse.
Elle a également eu l’opportunité de travailler dans une production en tournée intitulée Pearl Production, chorégraphiée par Daniel Ezralow. Là où l’Est rencontre l’Ouest, Pearl Production a permis un échange artistique avec des danseurs de Nankin, en Chine. Son contrat le plus récent était avec MGM à Macao, où elle a travaillé avec Travis Payne, le chorégraphe de confiance de Michael Jackson.
Elle collabore actuellement avec Ottawa Dance Directives et a récemment interprété une œuvre de Jocelyn Todd et Tedd Robinson.
Justin Lui was born in Toronto and began dancing at age 13, learning Chinese classical dance and folk dance from Chaminade Chan Man-Bun at Norman Dance Company. He has since trained in a variety of Chinese ethnic minority dances, classical ballet, and street dance styles. He has performed with the Little Pear Garden Dance Company under Artistic Director Emily Cheung and Toronto International Ballet Theatre under Artistic Director Tatiana Stepanova. He currently lives in Ottawa and is a collective member of the Autumn Melody Collective.
Justin Lui est né à Toronto et a commencé la danse à l’âge de 13 ans, apprenant la danse classique chinoise et la danse folklorique auprès de Chaminade Chan Man‑Bun au sein de la Norman Dance Company. Depuis, il s’est formé à une variété de danses des minorités ethniques chinoises, au ballet classique et à différents styles de danse urbaine.
Il a dansé avec la Little Pear Garden Dance Company sous la direction artistique d’Emily Cheung, ainsi qu’avec le Toronto International Ballet Theatre sous la direction artistique de Tatiana Stepanova.
Il vit actuellement à Ottawa et est membre du collectif Autumn Melody Collective.
Moeurn Chanthy is a 2015 graduate from Royal University of Fine Arts Phnom Penh Cambodia, specializing in traditional double reeds and other Cambodian wind instruments. He has performed in Osaka Japan, Côte d’Ivoire, Singapore and Thailand. He was a musician for Amrta Performing Arts production of Emmanuelle Phuon’s work ‘Brodal Serei’. He performed in Tribal Crackling Wind’s and Amrita Performing Arts’ production of ‘Here I Stand in Time’ in Phnom Penh in 2017, and was a musician in Chin’s ‘trillionth I’ at Harbourfront Centre Theatre Toronto.
Moeurn Chanthy est diplômé de 2015 de l’Université royale des beaux‑arts de Phnom Penh, au Cambodge, où il s’est spécialisé dans les instruments à anche double traditionnels ainsi que dans d’autres instruments à vent cambodgiens. Il s’est produit à Osaka (Japon), en Côte d’Ivoire, à Singapour et en Thaïlande. Il a été musicien pour la production Brodal Serei d’Amrita Performing Arts, chorégraphiée par Emmanuelle Phuon. Il a également participé à la production Here I Stand in Time de Tribal Crackling Wind et d’Amrita Performing Arts, présentée à Phnom Penh en 2017, et a été musicien dans trillionth I de Peter Chin au Harbourfront Centre Theatre à Toronto.
Ros Sokunthea is a graduate of Royal University of Fine Arts Phnom Penh Cambodia, in classical Khmer music, specializing in Lakaon Khol (male masked dance). He has performed across Cambodia, China, Canada, Japan, Singapore, New York City, and Côte d’Ivoire. He was the musical director of Tribal Crackling Wind and Amrita Performing Arts production of ‘Here I Stand in Time’ in Phnom Penh. In Toronto he performed Peter Chin’s work for Nuit Blanche and Fall For Dance North Showcase, and was the lead musician in Chin’s ‘trillionth I’ at Harbourfront Centre Theatre Toronto.
Ros Sokunthea est diplômé de l’Université royale des beaux‑arts de Phnom Penh, au Cambodge, en musique khmère classique, avec une spécialisation en Lakaon Khol (danse masculine masquée). Il s’est produit à travers le Cambodge, la Chine, le Canada, le Japon, Singapour, New York et la Côte d’Ivoire. Il a été directeur musical de la production Here I Stand in Time de Tribal Crackling Wind et d’Amrita Performing Arts à Phnom Penh. À Toronto, il a interprété une œuvre de Peter Chin pour Nuit Blanche et pour le Fall for Dance North Showcase, et a été le musicien principal dans trillionth I de Chin au Harbourfront Centre Theatre.
Rasy Hul is an associate artist for Tribal Crackling Wind as an artists and production assistant for Southeast Asian projects, as well as the co-founder and director of construction and the residency program at the Neang Kong Kental Dance Centre (NKK Dance Centre) in Siem Reap Cambodia. This work has taken Rasy Hul across Cambodia, as well as to Singapore, Indonesia, Thailand, Laos and Hong Kong. Rasy Hul performed at the Nuit Blanche Festival and the showcase of the Fall for Dance North Festival in Toronto with Tribal Crackling Wind. Rasy Hul’s work as a dancer was featured in Kaeja d’Dance’s project ‘Porch View Dances’, dancing in Peter Chin’s work, and with the dancers of the Vancouver company Chimerik Collective’s for their research project with Peter Chin. Rasy Hul was a musician in Chin’s work trillionth i at Harbourfront Centre Theatre in Toronto.
Rasy Hul est un artiste associé pour Tribal Crackling Wind en tant qu’artiste et assistant de production pour les projets d’Asie du Sud-Est, ainsi que cofondateur et directeur de la construction et du programme de résidence au Neang Kong Kental Dance Centre (NKK Dance Centre) à Siem Reap, au Cambodge. Ce travail l’a mené à travers tout le Cambodge, ainsi qu’à Singapour, en Indonésie, en Thaïlande, au Laos et à Hong Kong. Rasy Hul a performé au Festival Nuit Blanche et à la vitrine du Fall for Dance North Festival à Toronto avec Tribal Crackling Wind. Son travail en tant que danseur a été présenté dans le projet Porch View Dances de Kaeja d’Dance, dans une œuvre de Peter Chin, ainsi qu’avec les danseurs de la compagnie de Vancouver Chimerik Collective dans le cadre de leur projet de recherche avec Peter Chin.
Rasy Hul a également été musicien dans l’œuvre trillionth i de Peter Chin au Harbourfront Centre Theatre à Toronto.
Tribal Crackling Wind is an interdisciplinary performing arts company based in Toronto. It was founded in 1999 to bring together the artists and means to produce the works of artistic director Peter Chin. Tribal Crackling Wind is a distinctive creative force, bringing riveting ritual-based events to acclaim in its native Canada and internationally. The company’s repertoire has been shaped by the multi-faceted creativity of Peter Chin’s leadership. Described as a “renaissance man”, Peter Chin is a choreographer, composer, designer, writer, director and performer of dance and music. He creates works that potentially engage all of these disciplines, inspired by the Asian paradigm of “Total Theatre”. Born in Jamaica of mixed Chinese, black and Irish ancestry, Peter Chin is also a true multicultural soul and his rich heritage has been played out through the company’s repertoire, giving it a genuine international and global character. Within these creations, performers and creators are directly involved in the meaning of the work, aspiring to the proverbial merging of art and life. Transformation through real ritual, as opposed to a mere representation of ritual is the desire. He is the recipient of numerous awards including five Dora Mavor Moore Awards for dance, as well as the Muriel Sherrin Award for international achievement in dance, a Gemini award for his performance in the film Streetcar, the Eldred Family award, among others.
Tribal Crackling Wind est une compagnie interdisciplinaire d’arts de la scène basée à Toronto. Elle a été fondée en 1999 afin de réunir les artistes et les moyens nécessaires pour produire les œuvres de son directeur artistique, Peter Chin. Tribal Crackling Wind est une force créative singulière, offrant des événements rituels saisissants qui ont été acclamés tant au Canada qu’à l’international.
Le répertoire de la compagnie a été façonné par la créativité multiforme du leadership de Peter Chin. Décrit comme un « homme de la Renaissance », Peter Chin est chorégraphe, compositeur, concepteur, écrivain, metteur en scène et interprète de danse et de musique. Il crée des œuvres qui peuvent intégrer toutes ces disciplines, inspirées par le paradigme asiatique du « Théâtre Total ».
Né en Jamaïque et issu d’une ascendance mixte chinoise, noire et irlandaise, Peter Chin est également une véritable âme multiculturelle, et sa riche héritage s’est exprimé à travers le répertoire de la compagnie, lui conférant un caractère authentiquement international et global. Dans ces créations, les interprètes et les créateurs participent directement au sens de l’œuvre, aspirant à la fusion proverbiale de l’art et de la vie. La transformation par le rituel réel, plutôt que par une simple représentation du rituel, est l’objectif.
Il est récipiendaire de nombreux prix, dont cinq prix Dora Mavor Moore pour la danse, ainsi que le prix Muriel Sherrin pour sa contribution internationale à la danse, un prix Gemini pour sa performance dans le film Streetcar, le prix Eldred Family, entre autres
Silk Road Art Studio Canada focuses on cultural exchange, teaching and performing various types of classical Chinese dancing and ethnic dancing. Silk Road Art Studio participated performing shows at various cultural events at the Theater of Canadian Museum of History, Centerpointe Theatre, Sir John A McDonald Building of Parliament Hill, Ottawa Lumiere Festival, Ottawa Tulips Festival, and Ottawa Carnival of Cultures etc. over the last 20 years. Our dances have given the deep impression to the audiences. We believe that the appreciation of the different cultures will contribute to the multicultural society of Canada.
Silk Road Art Studio Canada se consacre à l’échange culturel, à l’enseignement et à l’interprétation de divers types de danses chinoises classiques et de danses ethniques. Au cours des vingt dernières années, Silk Road Art Studio a participé à des spectacles dans le cadre de nombreux événements culturels au Théâtre du Musée canadien de l’histoire, au Centrepointe Theatre, au bâtiment Sir John A. Macdonald sur la Colline du Parlement, au Festival Lumière d’Ottawa, au Festival des tulipes d’Ottawa et au Carnaval des cultures d’Ottawa, entre autres.
Nos danses ont laissé une profonde impression au public. Nous croyons que l’appréciation des différentes cultures contribue à la société multiculturelle du Canada.
Autumn Melody Collective
The mandate of the Autumn Melody Collective is to increase public appreciation of Chinese opera and Asian dance forms by producing an annual program in Ottawa that is both inspiring and authentic using professional artists from Ontario and beyond. We have provided different entry points to enhance audience appreciation via performances, workshops, costume and photo exhibitions, and post-show talks. This Collective is composed of three professional dance artists living in Ottawa: William Lau, Justin Lui and Katherine Ng. Together, we share the same values: respect for artists, their practices and cultural traditions; presentation of work of the highest quality (our productions reflect who we are and the respect we have for our audience); a specific focus on Asian-Canadian talents as being part of the cultural mosaic of Canada; an interest in international and intercultural collaboration; support for a collective approach to art-making (art comes from life and life is enriched through relationships); a sense of community that reflects our need as artists to feel connected; the involvement of young people as volunteers, performers and audience. To reach diverse audiences, the Collective had created many productions since its inception in 2011 in various venues across Ottawa including the National Arts Centre’s Fourth Stage, University of Ottawa’s Academic Hall, La Nouvelle Scène, the Shenkman Arts Centre and the Ottawa Arts Court Theatre.
Autumn Melody Collective
Le mandat du Autumn Melody Collective est de renforcer l’appréciation du public pour l’opéra chinois et les formes de danse asiatiques en produisant chaque année, à Ottawa, un programme à la fois inspirant et authentique, faisant appel à des artistes professionnels de l’Ontario et d’ailleurs. Nous avons offert différents points d’entrée pour enrichir l’expérience du public grâce à des spectacles, des ateliers, des expositions de costumes et de photos, ainsi que des discussions après les représentations.
Ce collectif est composé de trois artistes professionnels de la danse vivant à Ottawa : William Lau, Justin Lui et Katherine Ng. Ensemble, nous partageons les mêmes valeurs : le respect des artistes, de leurs pratiques et de leurs traditions culturelles; la présentation d’œuvres de la plus haute qualité (nos productions reflètent qui nous sommes et le respect que nous portons à notre public); une attention particulière aux talents asiatiques-canadiens en tant que partie intégrante de la mosaïque culturelle du Canada; un intérêt pour la collaboration internationale et interculturelle; le soutien d’une approche collective de la création artistique (l’art naît de la vie et la vie s’enrichit par les relations); un sens de la communauté qui reflète notre besoin, en tant qu’artistes, de nous sentir connectés; et l’implication des jeunes comme bénévoles, interprètes et membres du public. Pour rejoindre des publics diversifiés, le Collectif a créé de nombreuses productions depuis sa fondation en 2011, dans divers lieux à travers Ottawa, notamment la Quatrième Salle du Centre national des Arts, l’Academic Hall de l’Université d’Ottawa, La Nouvelle Scène, le Centre des arts Shenkman et le Théâtre de la Cour des arts d’Ottawa.